Crítica
Los pilares de la tierra
Autor: Ken Follett
Ken Follett, hijo de Martin y Veenie, nació en Cardiff, Gales y vivió allí hasta que su familia se trasladó a Londres cuando él tenía diez años. Al prohibirle sus padres, cristianos devotos, ir al cine y ver la televisión, desarrolló un temprano interés por la lectura, pero fue un estudiante muy normal hasta que llegó a la adolescencia. En 1967 ingresó en la University College of London, donde estudió filosofía y se implicó en movimientos de izquierdas. Se casó con su primera esposa, Mary, en 1968.Tras su graduación, en el otoño de 1970, Follett se matriculó en un curso de periodismo de tres meses y consiguió trabajo como reportero en el South Wales Echo de Cardiff. Después de tres años en Cardiff, volvió a Londres como reportero para el Evening Standard. Al encontrar el trabajo poco gratificante, dejó el periodismo por la edición y se convirtió, al final de los años 1970, en subdirector de gestión de Libros Everest. Follett empezó a escribir relatos, al principio como afición, por las tardes y los fines de semana. El éxito le vino con la publicación, en 1978, de la isla de las tormentas, que le hizo internacionalmente famoso. Cada una de las siguientes novelas de Follett también se han convertido en éxitos de ventas, y un gran número de ellas han sido adaptadas al cine.Follett se involucró a finales de los años 70 en las actividades del Partido Laborista. En el curso de sus actividades políticas, conoció a Barbara Follet, una trabajadora del Partido Laborista, que conoció en 1982, y con la cual se casó. Barbara fue elegida miembro del Parlamento en 1997, representando a Stevenage, y fue reelegida en 2001. El propio Follett permanece como un prominente partidario de los Laboristas y recaudador de fondos.Obra
Los pilares de la Tierra es una novela histórica del autor británico Ken Follett ambientada en Inglaterra en la Edad Media, en concreto en el siglo XII, durante un periodo de guerra civil conocido como la Anarquía inglesa, entre el hundimiento del White Ship y el asesinato del arzobispo Thomas Becket. Sin embargo, también se recrea un viaje de peregrinación a Santiago de Compostela a través de Francia y España.La novela describe el desarrollo de la arquitectura gótica a partir de su precursora, la arquitectura románica y las vicisitudes del priorato de Kingsbridge en contraste con el telón de fondo de acontecimientos históricos que se estaban produciendo en ese momento. A pesar de que Kingsbridge es el nombre de una localidad inglesa real, el Kingsbridge al que se hace referencia en la novela es, en realidad, un emplazamiento ficticio representativo del típico pueblo inglés en el que se establecían mercados en la época.El autor sorprendió con esta novela no sólo a sus lectores, ávidos de thrillers, sino también a sus editores con su contenido y longitud (más de 1300 páginas). Fue publicada en 1989, y se convirtió en el mayor best seller de Follett.La novela fue incluida en el puesto 33 de la encuesta realizada por la BBC en 2003, cuyo objetivo era encontrar las obras más apreciadas de la literatura británica. Además, fue elegida en 2007 por el club literario Oprah's Book Club.La segunda parte, Un mundo sin fin, salió a la venta en español el 28 de diciembre de 2007.Crítica Novela
Los pilares de la tierra es una novela bastante interesante que narra la historia de la construcción de una catedral y como va avanzando la arquitectura y los avances de la sociedad es una crítica social sobre la lucha del hombre por una mejora tanto social como tecnológica, también hace una fuerte crítica hacia el poder y como este manipula las situaciones y como doblega bajo su yugo a quien puede y la lucha por conseguir lo que quieren a pesar de las dificultades y contratiempos. Con un lenguaje culto pero entendible a cualquier a cualquier lector debido a la buena narrativa y una forma de explicarlo todo muy sencilla, cosa que acerca al lector y lo hace partícipe de la historia. Gracias a esto es fácil engancharse a este libro ya que el trama y la historia que nos cuenta se hace amena, está enfocada en la edad media en personajes del pueblo pobres quienes luchan por un futuro mejor. Va dirigida a un amplio sector, recomendable a cualquier persona aficionada a la lectura y que no le asuste los grandes libros, debido a la extensión aunque también se le podría considerar un gran libro por calidad.
Crítica
Skins
Creador
Jamie Brittain
Jamie Brittain (nacido el 14 de agosto de 1985, Edimburgo ) es un guionista de TV y el hijo de Bryan Elsley . conocido sobre todo por la co-creación de la E4 drama adolescente Skins . On April 1st, 2011, el 1 de abril de 2011, anunció qse retiraría de la serie.
Bryan Elsley
Bryan Elsley (nacido el 17 de mayo de 1961, Dalkeith ) es un guionista de televisión , conocida sobre todo para la co-creación de la E4 adolescentes drama Skins con su hijo, Jamie Brittain . Other television dramas include 40 , Rose and Maloney , Nature Boy , The Young Person's Guide to Becoming a Rock Star , The Crow Road , and Govan Ghost Story Otros dramas de televisión incluyen 40 , Rose y Maloney , Nature Boy , Young Person La Guía del para convertirse en un estrella del rock , The Road Cuervo , y Govan Ghost Story Mientras estudiaba en la Universidad de York , Elsley conoció y colaboró con Harry Enfield . Se creó un dúo de comedia , "Dusty y Dick", y realizó una venta de espectáculo en el Festival Fringe de Edimburgo .
Durante 3 años Elsley fue director artístico del Teatro de bolsillo Cumbria, que se basa en Kendal 's Cervecería Centro de Arte . En ese momento también fue escrito episodios para la serie de televisión Urgencias y de grabación de Londres . These, and his short film Govan Ghost Story (1989), opened up other opportunities for other television writing. Estos, y su cortometraje Govan Ghost Story (1989), abrió otras oportunidades para la escritura de televisión. Elsley's big break came when he was commissioned by the BBC to adapt Iain Banks 's novel The Crow Road for television. Big Break de Elsley llegó cuando fue comisionado por la BBC para adaptar Iain Banks s novela 'El camino Cuervo para la televisión.
Bryan Elsey anunció el 18 de marzo a través del blog Skins que el último episodio de la serie de cuatro fue su última como un escritor de la serie Reino Unido. He executive produced MTV Skins in 2011 and whilst still Executive Producing all versions of Skins with its partners, is now turning to other projects. Fue productor ejecutivo de MTV pieles en 2011 y mientras que todavía el productor ejecutivo de todas las versiones de pieles con sus socios, se centra ahora en otros proyectos.
Personajes
Michelle, es la Novia de Tony. Es lista guapa e ingeniosa, mantiene a todos en alerta.
Sid es el amigo de tony, está enamorado de Michelle.
Cassie, es una anoréxica, autodestructiva adicta a las drogas con cero de autoestima.
Jal, es la más lista del grupo toca el clarinete y es brillante en todo lo que hace.
Maxxie, le encanta el teatro y bailar. Siempre consigue el chico que le gusta.
Effy, es la hermana menos de Tony es la única persona de la que Tony se preocupa realmente.
Anwar, la familia de Anwar quiere que estudie el Corán, que no beba, fume, juegue, escuche música decadente, no tener relaciones sexuales, no tomar drogas. Desafortunadamente a Anwar le encanta todo eso.
Skins
Se trata de un drama adolescente británico ambientado en la ciudad de Bristol, creado por Jamie Brittain y Bryan Elsley. Trata los problemas de los adolescentes de una manera distinta a las típicas series de adolescentes. Skins trata íntimamente a los personajes por eso cada capítulo trata específicamente de uno de ellos en relación con los demás. Busca el realismo y la verosimilitud con imágenes escatológicas y desagradables, trata temas como la promiscuidad, la homosexualidad, la drogodependencia, el narcisismo, etc. Cada dos temporadas cambia el reparto de actores, cuando estos han cumplido 18 años, para no hacerlo monótono e irreal como la mayoría de series que pretenden hacernos creer que durante cinco temporadas los personajes siguen teniendo 16 años. Además, todos los actores que participan tienen la edad aproximada del personaje que interpretan.
Trama 1º Episodio
El primer episodio de Skins comienza con Tony (Nicholas Hoult) en su cama, despertando y haciendo sus ejercicios diarios. Desde esa misma mañana Tony comienza a preparar todo para el debut de su mejor amigo, Sid, en el plano sexual, el cual tiene previsto que se produzca esa misma noche. Con esa intención llama al resto de la pandilla anunciando que habrá una fiesta a la cual irían todos y en la cual Sid perderá su virginidad. Tony manda a Sid a comprar marihuana para aquella noche, lo cual hace, pero al parecer los planes ya habían cambiado: la fiesta se cancela, y Sid se queda con los 85 gr. de droga sin tener como pagarlos. Sid conoce a Cassie, la chica que supuestamente le quitaría su virginidad, con la que finalmente no sucede nada, ya que éste realmente está enamorado de Michelle, la novia de su mejor amigo Tony.
Crítica Skins
Skins es una serie enfocada a los adolescentes, ha sufrido muchas críticas debido a la forma de enfocar las cosas y a la propia crítica social que presenta sin tapujos y presentando una generación que ni estudia ni trabaja que su mayor preocupación en esta vida es mirarse el ombligo a ver si lo tienen bonito. Skins no se cortan a la hora de exponer los temas y tienen escenas fuertes que suelen tener bastante crítica social. En cuanto a ambientación esta ambientada en Bristol (Londres) trata de un grupo de adolescentes y es una serie bastante entretenida aunque en ocasiones las situaciones escapan de la realidad puesto que presenta una realidad un tanto deformada ya que se trata de una serie y debe cautivar la atención del espectador. Otro factor a tener en cuenta es la duración de las temporadas las cuales suelen durar 10 capítulos máximo, esto hace que no te canses y siempre te dejan un poco con la intriga y cada dos temporadas cambian la generación, cosa que le da verosimilitud porque quedaría muy falso ver gente de 25 años que se pasan la vida en el instituto. En cuanto a los planos utilizados la serie empieza con una cabecera con planos tanto abiertos como cerrados que transcurren a gran velocidad acompañados de una acertada música con muchos colores vistosos que destacan en toda la serie sobre todo en el vestuario de los personajes que sale ser bastante llamativo.
Crítica
Hipopótamo
Autor: Eugéne Ionesco
Autor teatral francés de origen rumano que fue el creador y más distinguido representante, junto con Samuel Beckett, del teatro del absurdo. Ionesco fue uno de los dramaturgos más singulares e innovadores del siglo XX, de un humor mordaz y agudo, que consiguió trasladar al medio escénico las técnicas expresivas procedentes del surrealismo. De ese modo abrió nuevos caminos al teatro en una sociedad fragmentada y progresivamente dividida en compartimentos estancos, caminos que han sido seguidos por otros autores. Sus aportaciones a lo largo de medio siglo son transcendentales, aunque aun no sean apreciadas en su justa medida.
Obra
El Rinoceronte, con el protagonismo principal de un personaje llamado Berenger, se ambienta en una pequeña ciudad en la cual parece que gran parte de sus habitantes se han convertido en rinocerontes.
Una perspectiva tan válida en su día como en la actualidad, y más cuando los rinocerontes sin espíritu crítico creen vivir, porque así se lo dicen los interesados, en una democracia.
Una perspectiva tan válida en su día como en la actualidad, y más cuando los rinocerontes sin espíritu crítico creen vivir, porque así se lo dicen los interesados, en una democracia.
Con influencias kafkianas, la obra se asienta en la crítica al conformismo, la patética uniformidad de una sociedad aburguesada, la sumisión del ciudadano al poder, la absorción fútil del colectivo sobre el individuo (al que el poder intenta convertir en masa), y cualquier forma de totalitarismo político, sea de la idea política que sea, se contrasta con la rebeldía y la resistencia en soledad ante el pensamiento único como marca de diferenciación y libertad ante esa pasividad, esa permeabilidad y esa situación arbitraria, que nos hace seres humanos en una sociedad despersonalizada que intenta engullir o desechar al diferente, al no sometido, al que no desea convertirse en un rinoceronte.
Crítica de la Obra
Hipopótamo es una adaptación de la obra Rinoceronte de Eugéne Ionesco, con una presentación extraña y elementos simbólicos, como por ejemplo los vasos que chocaba con elementos reales que surgían en la escena como el teléfono móvil, cosa que chocaba. En cuanto a la escenografía hemos podido contemplar una escenografía simple en la primera escena representaba una terraza de una cafetería con 4 sillas y en la que los personajes mantenían una conversación hacia diferentes focos e intercalaban una conversación con otra, lo que le daba un toque original y entretenido que mantenía al público en vilo ya que no sabias quien podía hablar. La segunda escena se presentaba en una oficina representada por una mesa y las dos últimas escenas en una casa unan en un salón y otra en la habitación. Ha habido elementos que no se han llegado a entender muy bien como la hoja que sale volando las sillas que entraban. Cuando la gente se convertía en hipopótamo se ponía una chaqueta y se quedaban detrás, ha resultado una idea original. En cuanto a la iluminación variada destacando algunas escenas como la del final cuando han bajado los focos y lo han ido iluminando, este hecho hacia que la presión aumentara, otra de los momentos que se podrían destacar en el trabajo del sonido y la iluminación ha sido el juego de la tele cuando el amigo estaba viendo la tele. Entre cambios de escenas había música lo cual amenizaba la espera.
En cuanto a la actuación de los personajes bastante buena de la mayoría, aunque en ocasiones las terminaciones de algunas frases o el tono que se le daba hacia que perdiera verosimilitud.
Conclusión: una obra bastante buena y entretenida para ver, aunque con una gran incógnita ¿por qué hipopótamo y no rinoceronte?
Critica
Roberto Zucco
Autor: Bernard-Marie Koltès
Bernard-Marie Koltès nació en Metz en 1948. Fue criado en el colegio jesuita de Saint-Clément hasta que obtuvo su bachillerato. Durante algunos años cursó clases de piano y órgano, y algunas semanas de periodismo. Después, en la escuela del Centro Dramático del Este de Estrasburgo, fundó la Compañía "El Teatro del Muelle" para la cual escribió Las Amarguras (1970), La marcha, El Juicio ebrio (1971) y Narraciones muertas (1973) que él mismo dirigía. Después de un viaje a la Unión Soviética en 1973, escribió la novela La huida a caballo muy lejos en la ciudad, y luego El Día de los Homicidios en la Historia de Hamlet.
En 1976, escribió La Noche justo antes de los Bosques que él mismo dirigió en 1977 y que después fue presentada en toda Europa. En 1977 escribió Combate de negros y de perros, una de sus obras más reconocidas, que tiene como escenario las obras de una empresa extranjera en plena selva de un país africano no identificado. Se trata de un espacio inspirado por un viaje de un mes que el autor realizó a un país del África subsahariana. A principios de 1983, el famoso director francés Patrice Chéreau dirigió su obra Combate de negros y de perros, gracias a lo cual Koltès salió finalmente de su anonimato.
Desde 1983 hasta su muerte, Chéreau fue el único en montar a Koltès en Francia, dirigiendo sucesivamente Quai Ouest en 1986; En la soledad de los campos de algodón en 1987 y De vuelta al desierto en 1988. Su obra póstuma, Roberto Zucco, es la recreación de la vida de un asesino en serie, y produjo un considerable revuelo.
Koltès murió de sida en 1989, a los 41 años. Desde entonces Koltès empezó a ser realmente reconocido como dramaturgo, tanto en Francia como en el extranjero, y se convirtió en un clásico del teatro francés contemporáneo.
Obra
Roberto Zucco es un hombre que se dedica a matar sin motivo alguno. Huye de una cárcel bien resguardada. Mata a su padre, a su madre, a un inspector y a un niño. Paralelamente, se narra la historia de una niña quien se ve seducida por Zucco. Roberto, al final de la obra, fue descubierto y enviado nuevamente a la cárcel, pero valiéndose de sus tretas, engaña a los policías, se encarama al tejado y huye. Luego, se tira al vacío y se mata.
Critica de la obra
Roberto Zucco obra que trata sobre la vida de Roberto Zucco. La obra comienza con el asesinato del padre a manos de su hijo, lo cual no ha resultado muy convincente, pero a pesar de pequeños fallos interpretativos y de proyección de voz como en la última escena en la que el protagonista habla hacia atrás y no se le escuchaba y por lo tanto no se entendía, a pesar de estos pequeños matices se podía encontrar una buena interpretación destacando papeles como el de la protagonista, la madam, el inspector y algunas de las putas una interpretación con una buena presencia escénica y energía. En cuanto a la escenografía, bastante simple y simbólica, en la que los actores no salían nunca de escena lo que lo acercaba mas al público. Con una iluminación que variaba según la escena, lo que ayudaba a situarte en la obra y los cambios de lugar. La obra finalizaba con la muerte de Roberto Zucco cosa que no queda muy clara y que no sé llego a comprender por parte del público. Por lo general Alonso Paso presento una obra entretenida que te mantenía atento toda la obra.
Crítica
Rebelde sin causa
Autor: Nicholas Ray
Nació el 7 de agosto de 1911 en la Crosse, Winconsin. Hijo de familia acomodad, estudió literatura en la Universidad de Chicago. Tras una dilatada experiencia teatral, primero como actor más tarde como realizador, y habiendo trabajado también en la radio, Ray fue ayudante de Elia Kazan en la película A tree grows in Brooklyn (1994). Contratado por la RKO, debutó en la dirección con The live by night (1948). Ray dio tempranas muestras de su talento con películas como Llamad a cualquier puerta (1949). Sin embargo, y pese al éxito de Rebelde sin causa (1955), que fue su pelicula mas popular, la carrera de Ray ue apagandose lentamente debido, en parte, a filmes realizados sin demasiada convicción, La verdadera historia de Jesse James (1957), o asus problemas con los estudios a propósito de Wind across the Everglades (1958), de cuyo rodaje fue apartado. Establecido en Europa desde 1959, sus ultimas peliculas dentro de la industria fueron dos superproducciones de Samuel Bronston rodadas en España: Rey de reyes (1961) 55días en Pekin (1962). Posteriormente y coincidiendo con un periodo especialmete turbulento en su vida privada, Ray se embarco en un gran número de proyectos que jamás llegaría a culminar; hasta que en 1979, junto al realizador alemán Wim Wenders, dirigio su testamento fílmico Relampago sobre el agua (1979). Ray murio de cancer tres meses antes del estreno de la pelicula, el 16 de junio de 1979 en Nueva York.Los protagonistas
James Dean (1931-1955)
Uno de los mayores mitos cinematograicos de la historia. James nacio el 8 de febrero de 1931 en Marion, Indiana. Hijo de un protesico dental y una ama de casa, ue criada en la granaja de sus tíos tras la temprana muerte de su madre. Estudio interpretacion en la UCLA y gracias a sus esperiencias teatrales en Brodway, consiguio trabajos en television y en anuncios publicitarios, y finalmente una plaza como alumno en el prestigioso Actor´s Studio. De esta etapa datan sus primeros escarceos cinematograicos como figurante en peliculas como ixed Bayonets (1951), ¡Vaya par de marinos! (1951) Un conflicto en cada esquina (1953). Gracias a la mediacion de Elia Kazan, su gran valedor, la Warnes acepto a Dean para el papel principal en la versión cinematografica de la obra Al este del eden(1955). La interpretacion del actor impresiono al publico y la academia lo propuso para el Oscar. Aprovechando su popularidad y el éxito comerdial de ambas peliculas, la Warner le incluyo en el reparto de Gigante (1956), superproduccion en la que Dean volvio a dar viada a un personaje extraño, melancolico y de fuerza misteriosa. Su potente interpretacion ue reconocida con otra candidatura al Oscar. Ya postuma, ya que el 30 de septiembre de 1955 surio un accidente moral. Su desaparición supuso un abrutpo final para una fulgurante carrera cinematografica que en poco mas de un año le habia convertido en uno de los iconos culturales del siglo XX.Natalie Wood (1938-1981)
Nacio el 20 de agosto de 1938 en San Francisco. Hija de emigrantes rusos rebautizafa Gurdin al asentarse la amilia deinitivamente en tierras americanas, Natasha comenzo su carrera artitica estudiando ballet. Su debut cinematografico se produjo a los 4 años con una aparicion sin acreditar en la pelicula Happy land (1943). Durante la segunda mitad de esa década, ya rebautizada , intervino en filmes como Mañana es vivir(1946) El fantasma y la señora Muir (1947). Dessde estos pequeños papeles, la joven Natalie salto al estrellato infantil con el clasico de navidad De ilusion tambien se vive (1947). La generalmente diicil transicion de actor infantil a adolescente fue superada por natalie sin mayor problema, convirtiendose en los años cincuenta en una de las actrices jovenes mas destacadas del apnorama de Hollywood gracias a titulos como La estrella (1952) el caliz de plata ((1954), y especialmente en Reblede sin causa (1955), que le lanzo definitivamente al estrellato y le supuso una candidatura a los Oscar como mejor intreprete femenina secundaria.obtuvo otras dos candidaturas al Oscar por Esplendor en la hierba (1961) Amores con un extraño. Ni su popularidad ni los exitos cosechados evitaron que la decada siquiente significara para ella su ocaso como estrella, la escasez de los buenos personajes y en producciones de poco merito hicieron que Wood fuera cayendo en el olvido. En 1981 mientras rodaba Proyecto Brainstorm, natalie wood murió ahogada en un acccidente.
Sal Mineo (1939-1976)
Sal Mineo (Condado de Bronx, Nueva York, 10 de enero de 1939 - West Hollywood, Los Ángeles, 12 de febrero de 1976) fue un conocido actor estadounidense y un sex symbol de su época. Se convirtió en mito al morir asesinado con apenas 37 años de edad. En 1951, ya con varios años de experiencia profesional, consiguió debutar y destacar en Broadway gracias a producciones teatrales como La rosa tatuada y el musical El rey y yo.
A mediados de la década dio el salto al cine con pequeños papeles en Atraco sin huella (1955), La guerra privada del Mayor Benson (1955) y especialmente Rebelde sin causa (1955). Su papel de Platón -el más recordado de toda su carrera- le llevó a la candidatura para el Oscar como mejor actor de reparto, que obtuvo finalmente Jack Lemmon por Escala en Hawaii. De esta misma época son también los intentos del actor por convertirse en estrella del rock, llegando a grabar varios singles e incluso un LP, que cosecharon discretas ventas.
El éxito de Rebelde sin causa, lejos de lanzarle al estrellato, le consagró como idóneo para encarnar papeles secundarios en los que da vida a jóvenes perdedores marcados por un destino trágico.
Película
Jimmy Stark (James Dean), estudiante de instituto, es un chico particularmente difícil: confuso y desorientado, se ve frecuentemente envuelto en peleas y conflictos, a consecuencia de los cuales su familia, en la cual es el hijo único, se ve obligada a un permanente peregrinaje de una ciudad a otra. Llegado a Los Ángeles, también encontrará nuevos sentimientos hasta entonces desconocidos, el amor de Judy (Natalie Wood), y la amistad admirativa de ‘Platón’ Crawford (Sal Mineo), un muchacho aún más joven que él. No tarda en sostener su enésimo enfrentamiento, aunque, en esta ocasión, las consecuencias serán mucho más terribles...
Crítica de la película
Reblede sin causa trata conflictos entre padres e hijos y presenta ante todo , el retrato de una adolescencia incomprendida y aislada en este filme se intentó retratar la decadencia moral de la juventud estadounidense, criticar el estilo de vida de los progenitores, y explorar la brecha generacional. Una película entretenida efocada a un público juvenil de la época la cual creo todo un icono de la época la gran fama de esta pelicula se debe en buena parte a la aparicion de James Dean con una interpretacion fuerte carismatica y a esa rebeldia suya que encandilo a un publico joven que se indentifico con el y lo convirtio en simbolo de una generacion alineada. En cuanto a los planos más frecuentes en la pelicula son el plano master que encuadra los personajes y situa la escena, un ejemplo de esto lo podemos encontrar en la escena que le pinchan las ruedas del coche, plano secuencia, es cuando la camara sigue la accion y no hay ningun elemento de corte, ejemplo de esto la carrera de coches. Otro de los planos mas empleados es el medio largo de cintura para arriba, que se emplea para centrarse en los personajes. Asi, rebelde sin causa se ha convertido con el paso del tiempo en un clasico de culto.
Crítica
Las sillas
Autor: Eugenio Ionesco
Autor teatral francés de origen rumano que fue el creador y más distinguido representante, junto con Samuel Beckett, del teatro del absurdo.
Ionesco fue uno de los dramaturgos más singulares e innovadores del siglo XX, de un humor mordaz y agudo, que consiguió trasladar al medio escénico las técnicas expresivas procedentes del surrealismo. De ese modo abrió nuevos caminos al teatro en una sociedad fragmentada y progresivamente dividida en compartimentos estancos, caminos que han sido seguidos por otros autores. Sus aportaciones a lo largo de medio siglo son transcendentales, aunque aun no sean apreciadas en su justa medida.
Obra
Las Sillas, considerada la obra maestra de Ionesco, pone en escena a una pareja de ancianos aislados en una torre situada en el interior de una isla. Para justificar retrospectivamente, ante el mundo, una larga existencia de fracasos y humillaciones, han organizado una gran recepción a la que invitaron a gentes imaginarias, personalidades de toda especie, entre las cuales figura el propio Emperador.
Solo un número más y más fabuloso de sillas vacías indicara la invisible presencia de la multitud, visible solamente para los protagonistas de la obra. Pero los dos viejos acaso no sean más reales que la multitud; están allí para expresar el vacio, dándole su indispensable contorno, la densidad presente de su ausencia.
Cuando la escena está totalmente obstruida con sillas vacías, al punto que los viejos quedan atascados como bloqueados en un naufragio inmóvil, aparece el Orador. Para los viejos es la señal de la liberación, después de legar al Orador el cuidado de transmitir el gran mensaje destinado a salvar a la humanidad. Se arrojan por la ventana y el Orador queda solitario ante las sillas, con la boca abierta. No salen de ella sino estertores y sonidos guturales; el Orador es sordomudo.
Oponer lo cómico a lo trágico para reunirlos en una síntesis teatral nueva. Estos dos elementos se ponen de relieve mutuamente, se niegan mutuamente, pudiendo constituir, gracias a su oposición, un equilibrio dinámico, una tensión.
Acaso no se ha mantenido nunca este equilibrio dinámico con mayor maestría que en `Las Sillas´, donde el dolor y la poesía al desnudo, permanecen sin cesar ofrecidos a las risas de los espectadores.
Absurdo dramático que plantea un repaso por las vidas de dos seres grises y sin alternativas que inútilmente tratan de zafar de su propia mediocridad.
Crítica de la obra
La obra presentada ha sido un tanto abstracta y particular en su ambientación, su contextualización ha sido errónea, ya que no se desarrolla claramente el lugar donde se sitúan los echos. La silla, título de la obra, supone una repercusión dado que representa la multitud de gente que invade el espacio escénico y que es fruto de la imaginación de los caseros, sustituida en esta ocasión por cuatro bloques blancos marcados por los actores representando la multitud con el cuerpo.
En cuanto a la distribución de los personajes, se supone que en la obra aparecen dos personas de avanzada edad, que ha sido sustituida por una pareja de unos cuarenta.
Otro dato a tener en cuenta es que el público ha abandonado sus asientos antes de finalizar la representación, debido a que se hacia pesada y a que, tras finalizar la obra, han vuelto a comenzar diez minutas más.
La escenografía, basada en la presencia de dos escaleras que llevan hacia las ventanas, hace entrever que la obra se situaba en una buhardilla. En general, la obra ha resultado estrambotica y extraña, no han dejado clara la finalidad de la obra resultando pesada para quien no era conocedor de la historia, ya que una vez conocida la trama, resulta mas entretenida y sencilla de enlazar.
Otro aspecto a tener en cuanta, es la presencia del orador, que según la obra posee una deficiencia auditiva que le impide oír, resultando, a mi manera de ver, la parte más entretenida de la obra cuando un hombre ha salido, ha firmado unos papeles y se ha puesto a rebuznar y repetir una palabra sin quedar claro de lo que se trataba.
En conclusión, el resto de la actuación ha resultado ser buena, los actores no decaían e interactuaban perfectamente el uno con el otro. Los efectos de iluminación como los flashes han sido excelentes junto con ese momento en el que se daban cuerda al unísono al ritmo de la música es un aspecto innovador que se agradece en una representación como esta.
En conclusión, el resto de la actuación ha resultado ser buena, los actores no decaían e interactuaban perfectamente el uno con el otro. Los efectos de iluminación como los flashes han sido excelentes junto con ese momento en el que se daban cuerda al unísono al ritmo de la música es un aspecto innovador que se agradece en una representación como esta.
